Transgresión, fusión y posibilidad peligrosa. Las claves gráficas de Ghost in the Shell

• Autores: Celia Cuenca García
• Localización: Con A de animación, ISSN-e 2173-3511, Nº. 9, 2019 (Ejemplar dedicado a: Anime y videojuegos)
• Idioma: español
• Títulos paralelos:
  • Transgression, Fusion and Dangerous Possibility. The graphic keys of Ghost in the Shell
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  • español

    En 2017 se estrenó Ghost in the Shell. El alma de la máquina (Rupert Sanders, 2017) la versión en imagen real de la película de animación Ghost in the Shell creada por Mamoru Oshii en 1995 a partir del manga de Masamune Shirow Kokaku Kidotai (1989). Si bien el “remake” trataba de homenajear el universo plástico del director y de toda la saga, su planteamiento estético puso de manifiesto algunas diferencias que convertían la nueva propuesta en una versión tecnófoba y pesimista. El motivo es que mientras que esta revisión destaca la esencia humana como rasgo superior, el anime defendía la hibridación cíborg como una actitud revolucionaria y abierta al futuro. Para desarrollar esa mirada optimista Oshii se sirvió de tres claves gráficas que definían el discurso de su película: resaltar los límites transgredidos, representar la fusión de los opuestos y diseñar las posibilidades peligrosas (u oportunidades) que podría traer el porvenir tecnificado. En mi opinión esas tres ideas aparecían ya en una obra anterior a la película de Oshii que miraba al futuro de una forma muy similar: el “Manifiesto cíborg” de Donna Haraway (1991). Este artículo aborda la traducción de esos supuestos teóricos a su representación estética mediante la animación, técnica que ofreció a Oshii las posibilidades con las que crear un univeso irrepetible.

  • English

    In 2017, Ghost in the Shell. The Soul of the Machine was released in a real-image version of the animated film Ghost in the Shell, created by Mamoru Oshii in 1995 from the manga of Masamune Shirow Kokaku Kidotai (1989). While the remake tried to honor the plastic universe of the director and the entire saga, its aesthetic approach showed some differences that made the new proposal a technophobic and pessimistic version. The reason is that while this review highlights the human essence as a superior feature, the anime defended cyborg hybridization as a revolutionary attitude and open to the future. To develop that optimistic view, Oshii used three graphic clues that defined the discourse of his film, to highlight the transgressed limits, to represent the fusion of opposites, and to design the dangerous possibilities that the technological future could bring. In our opinion, those three ideas already appeared in a work previous to Oshii's film, which looked to the future in a very similar way: Donna Haraway’s “A Cyborg Manifesto” (1991). This article addresses the translation of these theoretical assumptions to their aesthetic representation through animation, a genre that offered Oshii the possibilities with which to create a unique universe.